7. La luz

En este último bloque estudiamos la luz y la sombra empleando un Power Point como material de apoyo.

La luz es la capacidad de ver y, a lo largo de la historia, ha sido asociada con Dios y lo divino, así como con la transición entre la vida y la muerte, y con el renacimiento. La luz es esencial en nuestras vidas y en nuestra evolución y desarrollo como especie, un ejemplo de ello está en el control del fuego y los avances que esto supuso para el ser humano.

Al contrario que la luz, la sombra (que es la falta de luz) simboliza oscuridad y se utiliza para representar volúmenes y texturas.

La luz puede ser natural y artificial, siendo esta última la que podemos manipular a nuestro gusto.

Esta ha sido de gran importancia y ha tenido mucho recorrido a lo largo de la historia del arte. Esto lo vemos mediante ejemplos de artistas como Velázquez, Vermeer, Caravaggio o Francis Bacon, o de movimientos como el impresionismo, el puntillismo o el barroco. Otros artistas destacables en su empleo de la luz son: Rafael Lozano-Hemmer, Fabrizio Corneli, Simon Nortfolk, Dan Flavin, Roman Vitaly y Makoto Tojiki.

6. La imagen

En este bloque nos centramos en la imagen, su función y sus características más importantes.

Para empezar, tenemos que tener en cuenta los conceptos de tamaño, formato y marco:

El tamaño es el primer elemento a la hora de transmitir el mensaje de la imagen, pues dependiendo de las dimensiones de la obra podemos afectar de una forma u otra al espectador (un formato grande intimida y domina, mientras que uno pequeño es íntimo y acogedor). También resulta importante a la hora de manejar la obra y de presentarla ante el público.

El formato se refiere a la forma y orientación de la imagen y se trata del segundo elemento para la enunciación después del tamaño. Este depende de la adaptación al soporte, la facilidad de lectura y el contenido simbólico.

Por último, el marco es el borde o cierre de la imagen, que puede ser un objeto o un límite.

La imágenes son un lenguaje universal que representa con mayor o menor veracidad un aspecto de la realidad. Esta relación con la realidad se mide mediante el nivel de iconicidad de la imagen, clasificado en 10 niveles su semejanza a lo que se busca representar.

A la hora de analizar una imagen, debemos tener en cuenta los sentimientos que produce, así como su nivel formal (los elementos que la componen) y su nivel semántico (su significado y simbología).

Una imagen puede tener numerosas funciones, entre las que encontramos: informar o comunicar, dar a conocer el pasado, dar fe de un hecho...

A su vez, también tiene numerosas aplicaciones: persuasiva, informativa, decorativa, poética...

5. La forma

1ª Clase:

Comenzamos esta sesión viendo un episodio de la serie documental The Code del canal Odisea, con el que nos introducimos en el estudio de las formas que más adelante reforzaremos con la presentación de Power Point.

La forma se define como el límite entre el cuerpo y el espacio, y posee un contorno, un dintorno y una silueta.

Esta se puede clasificar de diferentes formas: natural/artificial, cerrada/abierta, plana/tridimensional, variable/estable, orgánica/geométrica o figurativa/abstracta.

Finalmente analizamos las formas más comunes y su significado:

-Esfera, simétrica e íntima.

-Onda, representa el movimiento.

-Ángulo, concentra y penetra.

-Hexágono, pavimenta, no deja huecos al unir varios.

-Fractal, representa continuidad e intimidad.

-Parábola, concentra y soporta.

-Espiral, empaqueta y concentra.

-Hélice, agarra.

2ª Clase:

En la segunda sesión nos centramos en la figura humana, analizando en concreto las proporciones del Hombre de Vitruvio gracias a un vídeo documental y a comprobar estas medidas por codos en nosotros mismos.

Por último, realizamos el siguiente trabajo, en el que representamos tres figuras siguiendo estas proporciones y tratamos de crear una forma imposible.

 

4. La textura

Comenzamos la clase haciendo unas prácticas de frotagge y a continuación estudiamos la textura de forma teórica apoyándonos en una presentación de Power Point.

La textura es definida por la materia que forma un cuerpo, así como la representación visual de esta materia. Las texturas se clasifican se dos formas diferentes:

-Según su composición: las texturas pueden ser naturales/reales, es decir, que lo que veamos coincida con lo que tocamos; o artificiales/visuales, es decir, que lo que veamos no se corresponda con su tacto, un ejemplo de esto se da en la obra de Ron Muek.

-Según su naturaleza o tacto: las texturas pueden ser suaves, ásperas, duras, blandas, frías, cálidas, etc.

La textura es sensible al tacto y remiten a una experiencia visual, además, al igual de la luz y el color, transmite mucha información a la hora de analizar una obra, pues nos permite distinguir un objeto de otro. También nos podemos servir de las texturas como objeto de experimentación, buscando transmitir diversas emociones mediante su manipulación y control.

3. Composición

Para comenzar con la explicación leímos un fragmento de la obra de Manuel de Prada, Arte y composición. El problema de la forma en el arte y la arquitectura. A continuación, procedimos a utilizar un Power Point para estudiar la composición y sus principales características.

La composición se define como la disposición de las figuras en el espacio de una obra. Existen diversas tipologías compositivas:

-Según la dirección: ascendente (diagonalmente, de izquierda a derecha, asociada a sensaciones positivas), descendente (lo contrario a ascendente), horizontal (asociada al paisaje) o vertical (asociada a la espiritualidad)

-Según la simetría: simétrica, vertical u horizontalmente, o asimétrica.

-Según la geometría: basada en formas básicas (triangular, curva o espiral).

-Basada en la repetición.

-Dentro o fuera de campo.

También resulta importante la posición del horizonte y del ojo (picado, contrapicado...) respecto a este. La posición del horizonte puede ser elevada (inferioridad, falta de espacio, agobio), baja (superioridad, espacio, calma) o centrada (igualdad, equilibrio).

2. El color

Durante varias clases hemos estudiado la teoría del color, aplicándola a ejercicios como la creación de la paleta básica o el estudio de un color sobre la fotografía de una revista. En esta entrada resumiré todo lo aprendido sobre este bloque, en el que hablamos de colores pigmento y no luz, ya que son los que utilizaremos en las prácticas.

Para empezar, debemos tener muy en cuenta cuáles son los colores primarios y cómo se relacionan entre ellos, estos son el rojo, el azul y el amarillo. Mediante sus mezclas (como ya apunté en una entrada anterior) creamos los colores secundarios: naranja, verde y violeta. Los colores terciarios serían los intermedios entre los secundarios y los primarios.

Los colores adyacentes serían los que están al lado en la rueda de color, es decir, dos primarios + el secundario que forman o dos secundarios + el primario que comparten.

Por otro lado, los colores complementarios serían los que están opuestos en la rueda de color, es decir, un secundario + el primario que no está en su mezcla. El uso de una paleta de complementarios hace que los colores resulten más llamativos.

En el caso de los colores pigmento, la mezcla de los tres primarios nos daría negro. Al ser una síntesis sustractiva, es imposible obtener el color blanco a través de mezclas de colores pigmento, lo cual sucede al revés en el caso de los colores luz.

Otros conceptos a tener en cuenta a la hora de trabajar con color son el tono o tonalidad, que determinan variaciones cromáticas (matices) de un mismo color; la saturación, que determina la intensidad, y el brillo, que determina la claridad u oscuridad.

Por último, resulta muy interesante y útil de cara a la creación la asociación que hacemos involuntariamente y de forma subjetiva entre los colores y los sentimientos.

1. Desarrollo de un proyecto

El primer bloque teórico del curso se basa en la explicación del proceso creativo a la hora de desarrollar un proyecto. 

Un proyecto es una idea plasmada a nivel físico, comenzando por su representación en papel y siguiendo con la realización de todos los bocetos, maquetas o pruebas necesarias hasta obtener un resultado final satisfactorio. Como ejemplos de proyectos, vimos numerosos trabajos: la obra de Juan Zamora, el proyecto de Jonnet Middleton y el trabajo del grupo AES+F con diversos proyectos como Islamic Project, Mare Mediterraneum o Defilé, entre otros.

Además, estudiamos las fases de creación:

1-Cuestionamiento (surge la idea)

2-Información (comienza la investigación)

3-Gestación (desarrollo de la idea)

4-Iluminación

5-Revisión

6-Elaboración (se comprueba su funcionamiento)

7-Socialización (se muestra el resultado final al público)

La mayoría de casos se quedan estancados en la fase 4 y se descartan, para finalizar un proyecto es necesario superar todas las fases.

Mezclas de colores

Naranjas:

• Rojo carmín + amarillo limón = naranja
• Rojo cadmio + amarillo cadmio = naranja

Verdes:

• Amarillo limón + azul cerúleo = verde
• Amarillo cadmio + azul ultramar = verde
• Negro + amarillo = verde

Violetas:

• Azul cerúleo + rojo cadmio = violeta
• Azul ultramar + rojo carmín = violeta

Negro:

• Verde esmeralda + rojo carmín = negro